Уважаемые читатели! С июня 2016 года все сообщения форума переезжают в доступный для чтения архив. Остальной функционал интернет-портала «Вся Швейцария на ладони» работает без изменений: свежие новости Вы найдете на главной странице сайта, бесплатно разместить объявление сможете на "Доске частных объявлений". Следите за нашими новостями в социальных сетях: страница в Facebook и официальная группа в Facebook, страница в сети "Одноклассники". Любители мобильных устройств могут читать новости, афишу культурных мероприятий и слушать русское радио, скачав приложение "Ladoshki" для iOS и приложение для устройств Android. Если Вы еще не являетесь нашим подписчиком, но хотели бы получать анонс культурных событий на свой электронный адрес, заполните анкету на форуме, и Ваш адрес мы добавим в список рассылки. По вопросам сотрудничества и размещения рекламы обращайтесь по адресу: inetgazeta@gmail.com или звоните на контактный номер редакции: +41 76 460 88 37

Страница 3 из 3 ПерваяПервая 123
Показано с 21 по 30 из 30

Тема: Историзм в моде

  1. #21
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Бархат в России

    Когда в России начали носить бархатные одежды? Первые сведения об этом появляются на рубеже XV – XVI веков. Подтверждениями могут быть русские источники, в которых есть списки, оставленные состоятельными князьями, где среди описания имущества, передаваемого по наследству, можно увидеть наряды, украшения и бархатные шубы на соболях, расшитые золотом и жемчугом.

    Любили русские люди передавать часть или даже всё своё нажитое добро в монастыри.

    Например, сохранились некоторые распоряжения о посмертных и поминальных вкладах в монастыри, – в 1530 году монахи Троице-Сергиева монастыря продали соболью шубу из бархата, расшитого золотом, которая хранилась в качестве поминального вклада по князю Василию Львовичу Глинскому. Богатые женщины, уходя из мира в монастырь, дарили свои нарядные одежды своим родственникам и просто добрым людям.



    Бархат поступал в Россию из Италии, Ирана, Турции, Китая. В зависимости от того, откуда поступала эта роскошная ткань, или кто её привозил в Россию, бархат назывался – венецианским, флорентийским, немецким, турецким и т.д.

    Бархат в России, также как и в Европе, стоил дорого. Все, кто имел достаток, стремились приобретать дорогие шубы, сшитые из нарядной ткани, к которой был причислен бархат.

    Поэтому его подбивали только ценным мехом. Шубы утеплялись мехом соболя, рыси, белки, горностая, песца. Например, в 1520 – 1540 годы боевой конь стоил 1–3 рубля, столько же стоил и модный бархатный наряд.

    Лоскутки при пошиве никогда не выбрасывали, оставляли для аппликаций. Богатые князья и бояре не жалели для своих дочерей денег и одевали их, как царевен. В XVI веке все состоятельные люди стремились обзавестись бархатными вещами. Бархатные наряды стали обязательной составляющей свадебных обрядов в семьях зажиточных людей, – бархатные ткани были в качестве подарков на свадьбе, молодые сидели на бархатных подушках.

    Во второй половине XVI века бархат стали использовать для украшения воинского снаряжения, интерьера домов, книг, изготовления предметов культа, убранства храмов и т.д.



    Но самыми роскошными бархатными нарядами обладали московские государи. Например, государь Иван III, выдавая дочь замуж, в приданое ей выделил десять отрезов бархата, каждый из которых был длиной 10–15 локтей. Ткани были необыкновенной красоты с золотой нитью, некоторые привезены из Турции, другие венецианского производства. В повозку невесты был положен рулон бархата алого цвета, по которому она, как по ковровой дорожке, должна идти к своему будущему мужу.



    В 1570 году немецкие послы, пировавшие у Ивана Грозного, отметили, что царь и его сын Иван Иванович были в роскошных бархатных нарядах, украшенных драгоценными каменьями и жемчугом. И Иван Грозный, и его сын снаряжались на войну сверх всякой меры роскошно. К верхней одежде пришивались воротники- «ожерелья» из дорогих материалов, вышитые шёлком, украшенные самоцветами и жемчугом. Шапки были бархатные. У самого царя Ивана Грозного таких шапок были не одна. Отороченные разными мехами шапки были сшиты из венецианского бархата.

    Бархатные ткани в зависимости от сочетания нитей были разного вида. Одни назывались гладкими, другие косматыми, петельчатыми, полупетельчатыми, рытыми (с выпуклыми узорами, выполненными в двух плоскостях), в некоторых из них в утке применялось прядёное золото или серебро и многие другие.



    В царствование царя Федора Ивановича (1584–1598) и Бориса Годунова (1598-1605) бархатные ткани стали отличаться ещё большим разнообразием. В это время некоторые из них можно было купить за рубль аршин, а некоторые – за 2 рубля и более, то есть бархат по-прежнему оставался дорогой тканью.

    Царь Фёдор Иванович очень любил бархатные наряды, это отмечали и послы, прибывавшие к нему. Его наряды были украшены крупным жемчугом. В годы его царствования белые бархатные кафтаны начали шить для почётной стражи, в то время как у Ивана Грозного караул был одет в парчовых серебристых кафтанах и в высоких, расширявшихся к верху белых бархатных шапках. Самыми богатыми бархатными нарядами обладал Борис Фёдорович Годунов.



    Дорогие ткани в Росси можно было увидеть не только в царском дворце, но и в храмах, и в крупных монастырях, где шились праздничные покровы, облачение духовенства, украшения для предметов культа. С бархатными тканями работали и мастера книжного дела. Бархат в России являлся предметом роскоши, обладание им говорило о социальном статусе владельца, о принадлежности его к высшим кругам знати.

    Долгое время бархат был в России привозной тканью. В 1623 году был основан бархатный двор в Москве. В середине XVII века были приглашены иноземные мастера из Италии и Германии. Но после 1689 года попытка производить бархат в России несколько приостановилась. И только лишь 1717 году начала действовать первая русская мануфактура по производству шёлковых тканей, в том числе и бархата. Сырьём для его производства были шёлк, шерсть и хлопок.



    В княжеской и боярской среде одежды шились из дорогих «заморских» тканей – шёлка, парчи, бархата. А в народном быту пользовались одеждой из льняных и конопляных холстов, шерстяными тканями и валяным сукном.


    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  2. #22
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Мода пушкинской эпохи

    Увы! друзья! мелькают годы –
    И с ними вслед одна другой
    Мелькают ветреные моды
    Разнообразной чередой…
    А. С. Пушкин

    Сейчас в музее А.С. Пушкина на Пречистенке проходит очень красивая выставка «Мода пушкинской эпохи». Она охватывает самые разнообразные сферы русской жизни и культуры первой трети XIX веха. Её цель – показать, как понятие «мода» находило отражение в предметах и явлениях быта – вещественного, нравственного и социального. Следуя за великими историческими событиями, волновавшими Европу и Россию в начале ХIХ века, менялись и эстетические вкусы общества. Менялась мода на архитектуру и интерьер зданий, на литературу и искусство, на манеру поведения в обществе и, конечно же, на костюмы и прически. Ведь костюм отражал род занятий, принадлежность к определенному классу, уровень материального благосостояния и круг интересов своего хозяина. Таким образом, мода была не только причудой щёголей, но и знаком социальной принадлежности человека, знаком его политических пристрастий и господствующих в обществе идей.

    Экспозиция посвящена распорядку дня светского человека, жизнь которого отражала общее для дворянской культуры стремление к ритуализации быта. В течение дня человек вынужден был переодеваться несколько раз, так как правила хорошего тона требовали определённого типа одежды для разных этикетных ситуаций. Сюртук, вполне уместный для утренней прогулки, был неприемлем для обеда или вечерних визитов, а в тюрбане или берете светская дама не могла появиться в первой половине дня – они предназначались для бала или театра. Не случайно один из пушкинских современников относил «искусство хорошо одеться» к «числу изящных искусств», сравнивая его с даром быть «великим музыкантом или великим живописцем, и может быть, даже великим человеком».



    Прости, халат! товарищ неги праздной,
    Досугов друг, свидетель тайных дум!
    С тобою знал я мир однообразный,
    Но тихий мир, где света блеск и шум
    Мне в забытьи не приходил на ум.
    П.А. Вяземский

    Домашней одеждой для первой половины дня для мужчин были шлафор и халат. Утренний туалет для женщин заключался в платьях особого покроя. У столичных модниц это были дорогие парижские туалеты, у провинциальных барышень – простенькие домашние платья. В утреннем уборе выходили к завтраку, виделись с домашними или близкими друзьями. К обеду полагалось переодеваться, особенно – если ждали гостей.

    В своих произведениях русские писатели XIX века часто акцентировали внимание читателей на утренних нарядах своих героев. Герой пушкинской повести «Барышня-крестьянка» Алексей Берестов, приехав в дом Муромских рано утром, застает Лизу, читающую его письмо, в «белом утреннем платьице». Героиня романа Л. Н. Толстого «Война и мир» Наташа Ростова встречает князя Андрея, приехавшего к ним с визитом, в «домашнем синем платье», Мать Татьяны Лариной, выйдя замуж, «обновила, наконец / на вате шлафор и чепец». Шлафор, или шлафрок – просторную одежду без пуговиц, подпоясанную обычно витым шнуром – могли носить и мужчины, и женщины. Особой популярностью он пользовался в 1830-е годы. В одном из номеров журнала «Молва» за 1832 год сообщалось: «Для мужчин мода на шлафроки до того утвердилась, что изобретены для них узоры и материи. Шали более всего к тому пригодны».

    Однако наибольшего внимания русских литераторов удостоился халат, служивший с XVIII до середины XIX века «парадным неглиже». В поэме «Мёртвые души» Н.В. Гоголь с иронией замечал, что председатель палаты «принимал гостей своих в халате, несколько замасленном». В «Евгении Онегине» халат сопутствует обывательской и бездуховной жизни родителей Татьяны Лариной и рассматривается как один из вариантов судьбы Ленского:

    Во многом он бы изменился,
    Расстался б с музами, женился,
    В деревне, счастлив и рогат.
    Носил бы стёганый халат…

    Больше, чем любая другая домашняя одежда халат зависел от моды. «Сшитый в виде длинного сюртука с бархатными отворотами», халат героя повести В.А. Соллогуба «Аптекарша» «свидетельствовал о щеголеватости привычек» своего хозяина. Герой «Египетских ночей» Чарский, в своей одежде всегда «наблюдавший самую последнюю моду», ходил дома «в хохлатой парчовой скуфейке» и «золотистом китайском халате, опоясанном турецкой шалью».

    В то же время П.А. Вяземский и Н.М. Языков воспели халат как «одежду праздности и лени», противопоставляя офицерскому мундиру или «гостиной ливрее». Именно в халате В.А. Тропинин изобразил А.С. Пушкина, А.И. Иванов – Н.В. Гоголя, В.Г. Перов – А.Н. Островского, И.Е. Репин – М.П. Мусоргского. Таким образом, и в русской поэзии, и в русской живописи халат стал символом свободы творческой личности.











    Одной из светских обязанностей были визиты. Как и другие этикетные ситуации, обычай принимать визиты был подвластен моде. Во времена Екатерины II считалось модным принимать гостей во время одевания, однако в начале XIX века этого обычая придерживались лишь пожилые дамы. Кроме визитов, целью которых было засвидетельствовать своё почтение, существовали поздравительные, благодарственные, прощальные визиты и, наконец, визиты для изъявления участия… Поздравительные визиты наносились на Новый год, на Пасху, в день именин. После получения приглашения на бал или обед непременно следовало отдать благодарственный визит.

    Свадебные визиты молодожёны наносили в первые две недели после свадьбы, если сразу же не отправлялись в свадебное путешествие. Визиты для изъявления участия были необходимы, когда навещали больного или приносили соболезнования после похорон.

    Точность соблюдения правил визита безошибочно указывала на принадлежность человека к светскому обществу. Во многих домах существовали дни, когда принимали посетителей. Утренние визиты принято было наносить между завтраком и обедом. Если швейцар отказывал визитёру в приёме, не объясняя причины, это означало, что ему отказывают от дома вообще.

    Большое значение придавалось визитному костюму. В журнале «Московский телеграф» регулярно сообщалось о новых визитных костюмах для мужчин и женщин. Визитный костюм для утренних посещений должен был быть изящным, нарядным, но не парадным.
    Это могло быть воспринято в обществе как конфуз и стать темой всеобщих насмешек. Мужчины приезжали в сюртуках с жилетами, женщины – в модных туалетах, специально предназначенных для утренних посещений. После вечернего визита можно было отправиться в театр или клуб, поэтому визитный костюм мало отличался от вечернего наряда. Если мужчина наносил визит начальнику по службе, он должен был быть одет в мундир. Однако герой «Анны Карениной», Стива Облонский, отправляясь с визитом к начальнику, счёл нужным надеть сюртук, так как они были светскими знакомыми. По воспоминаниям современника, приехавший в Москву А. П. Ермолов не мог «засвидетельствовать своё почтение «великому князю» не имея ничего, кроме фрака и сюртука». Великий князь приказал передать ему, «что увидит его у себя с удовольствием и во фраке».







    Вошёл: и пробка в потолок,
    Вина кометы брызнул ток;
    Пред ним roast-bееf окровавленный,
    И трюфли, роскошь юных лет,
    Французской кухни лучший цвет,
    И Страсбурга пирог нетленный
    Меж сыром лимбургским живым
    И ананасом золотым.
    А.С. Пушкин

    В XIX веке пообедать можно было дома, в клубе или ресторации. Великолепие званых обедов русской знати поражало современников. Побывавший в России в конце XVIII века французский путешественник не без удивления отмечал: «Было введено обычаем праздновать дни рождения и именин всякого знакомого лица, и не явиться с поздравлением в такой день было бы невежливо. В эти дни никого не приглашали, но принимали всех… Можно себе представить, чего стоило русским барам соблюдение этого обычая; им приходилось беспрестанно устраивать пиры». Обычай принимать всех желающих «отобедать» сохранялся и в начале XIX века. В дворянских семьях за столом собиралось, как правило, тридцать пять – сорок человек, а в большие праздники – сотни три гостей. Однако время вносило свои коррективы. Обедать садились уже не в полдень, а около четырёх часов пополудни. Уходил в прошлое обычай носить блюда «по чинам». И, разумеется, менялась мода на украшение столовой и сервировку стола. Испытание временем выдержали только вазы с фруктами и цветы.

    Светский этикет требовал определённого костюма приглашённых. Один из современников Пушкина, описывая обед у московского генерал-губернатора Д.В. Голицына, замечал: «Только англичанам позволено быть такими свиньями; мы все были наряжены в параде, хотя и не в мундире, а этот чудак явился в сюртуке…».

    Однако в Петербурге и Москве домашним обедам молодёжь предпочитала клуб или ресторацию. Хороших ресторанов было немного, каждый посещался определённым, устойчивым кругом лиц. Появиться в том или ином модном ресторане (у Талона или позже Дюме) означало явиться на сборный пункт холостой молодёжи – «львов» и «денди». В 1834 году в одном из писем Наталье Николаевне Пушкин сообщал: «…явился я к Дюме, где появление моё произвело общее веселие…», и спустя несколько дней: «Обедаю у Дюме часа в 2, чтоб не встретиться с холостою шайкою».

    Разумеется, диктат моды распространялся и на гастрономию. В романе «Евгений Онегин» Пушкин упоминает многие модные новинки меню конца 1810 – начала 1820-х годов. Среди них – блюдо английской кухни «roast-beef окровавленный» и «страсбургский пирог» – паштет из гусиной печени, привозившийся в консервированном виде. Ананас – традиционный для пушкинского времени десерт, известный в России с середины XVIII века – уже не воспринимался как диковинка, но по-прежнему оставался одним из любимых угощений. Жителям обеих столиц, привыкшим обедать дома, достаточно было послать за ананасом в соседнюю лавку, а «светские львы» и «денди» могли заказать его в дорогих ресторанах Петербурга или Москвы. В большой моде было и «вино кометы» – шампанское урожая 1811 года, своим названием обязанное яркой комете, которую можно было видетъ с весны 1811 по начало зимы 1812 года. Три военных года затруднили его путь в Россию, но после поражения Наполеона французские виноторговцы поспешили доставить его в страну-победительницу. В течение многих лет «вино кометы» не теряло своей популярности, а в литературных произведениях было воспето столь часто, что превратилось в один из поэтических штампов.







    Изображу ль в картине верной
    Уединённый кабинет,
    Где мод воспитанник примерный
    Одет, раздет и вновь одет?
    А.С. Пушкин

    Кабинет – комната для уединённых занятий – принадлежал хозяину дома и играл важную представительскую роль в общественной
    жизни его владельца. Больше, чем любая другая комната, он давал представление о характере, уровне образованности, положении в свете и потребностях своего хозяина. Кабинет графа из повести А.С. Пушкина «Выстрел» поражал роскошью: «около стен стояли шкафы с книгами, и над каждым бронзовый бюст; над мраморным камином было широкое зеркало; пол обит был зелёным сукном и устлан коврами». «Светло-голубые французские обои», покрывавшие стены кабинета Печорина в повести М.Ю. Лермонтова «Княгиня Литовская», «лоснящиеся дубовые двери с модными ручками и дубовые рамы окон показывали в хозяине человека порядочного».

    Интерьер кабинета: мебель и предметы декоративно-прикладного искусства, книги и картины, бюсты французских энциклопедистов или «лорда Байрона портрет» не только отражали интересы человека, но и демонстрировали модные тенденции времени. В соответствии со вкусами эпохи кабинет Чарского, героя пушкинской повести «Египетские ночи», был полон «картин, мраморных статуй, бронзы, дорогих игрушек, расставленных на готических этажерках». Кабинет Онегина украшало всё, что было изобретено человечеством «для роскоши, для неги модной»: «янтарь на трубках Цареграда», «фарфор и бронза на столе», и – модная новинка начала XIX века – «духи в гранёном хрустале». Московский знакомый Пушкина А.Л. Булгаков так описывал свой кабинет: «Кабинет мой теперь почти устроен, – пять больших столов… В углу диван, перед ним стол круглый, на котором книги и газеты, напротив его шкап (для меня драгоценный) с трубками. Все трубки приведены в порядок».

    В кабинете работали и отдыхали, принимали управляющего и обсуждали с секундантами своего противника условия поединка. После званого обеда мужчины, как правило, уходили в кабинет хозяина дома «курить трубки», и постепенно кабинет превратился в зал для мужских приёмов. Трубки с длинными чубуками, экспортируемые из Турции, как и респектабельные мужские аксессуары к ним, были необходимой принадлежностью парадного кабинета. В России они вошли в моду в первой трети XIX века в связи с общеевропейским увлечением Востоком, с творчеством Байрона, воспевшего восточную экзотику в поэме «Гяур».

    Каждый вид приёма подразумевал определённые темы разговоров, регламентированные светскими правилами. В кабинете велись беседы, неуместные на балу или в гостиной. Их разнообразие отражало весь мужской мир: круг личных интересов и политические взгляды, вопросы семейной жизни и ведения хозяйства, служебной карьеры и чести.





















    Театр уж полон; ложи блещут;
    Партер и кресла – всё кипит;
    В райке нетерпеливо плещут,
    И, взвившись, занавес шумит.
    А. С. Пушкин

    В пушкинское время театр был предметом всеобщего увлечения. Обычно представление начиналось в шесть и заканчивалось в девять часов вечера, так что молодой человек успевал, побывав в театре, отправиться на бал, маскарад или в клуб.

    Театральное пространство состояло из лож, партера и райка. Ложи посещались семейной публикой и, как правило, абонировались на весь сезон. Партер включал в себя 10-15 рядов кресел и собственно партер, где спектакль смотрели стоя. Места в креслах стоили дорого и, как правило, их занимали вельможные и состоятельные зрители. Билеты в партер были значительно дешевле. Раек – самый верхний ярус балкона – предназначался для демократической публики, которая, по словам современника, «не снимая верхнего платья, валом валила на галереи». Это объясняется тем, что в то время в театре не было гардероба, и верхнюю одежду сторожили лакеи.

    Для остальной части посетителей светский этикет предъявлял строгие требования к костюму. Женщины могли появиться в театре только в ложах – в вечерних туалетах, в беретах, в токах, в тюрбанах, которые не снимали ни в театре, ни на балу. Мужчины надевали мундир или фрак. Возможны были и нарушения этикета с целью эпатировать публику. «Впереди партера, в самой середине, облокотившись спиной к рампе, стоял Долохов с огромной кверху зачесанной копной курчавых волос, в персидском костюме. Он стоял на самом виду театра, зная, что он обращает на себя внимание всей залы, так же свободно, как будто он стоял в своей комнате. Около него, столпившись, стояла самая блестящая молодёжь Москвы, и он видимо первенствовал между ними», – писал Л.Н.Толстой в романе «Война и мир».

    Для петербургского франта первой трети ХIХ века театр был не только художественным зрелищем, но и местом светских встреч, любовных интриг и закулисных увлечений. В связи с этим правила хорошего тона распространялись не только на костюм, но и манеру поведения театрала. В зал было принято входить в последнюю минуту перед началом спектакля, обмениваясь поклонами и приветствиями. Так, например, Онегин, опоздав к началу спектакля, «идёт меж кресел по ногам». И ещё одна деталь поведения щёголя – рассматривать зрительный зал в лорнет. Онегин «Двойной лорнет скосясь наводит/ На ложи незнакомых дам».





























    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  3. #23
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию

    В Английском клубе как в chambre obscure отражается вся Россия.
    П.А. Вяземский

    Впервые клубы появились в Великобритании. В России они вошли в моду при Екатерине II. В Петербурге в 1770-1795 годах было основано семь клубов, среди которых самым престижным считался Английский. Вскоре Английский клуб появился и в Москве. Вступив на престол, Павел I запретил Английские клубы, как и прочие общественные собрания. С воцарением Александра I они вновь были разрешены. Избрание в члены клуба было сопряжено со многими строгостями и ограничениями. Во-первых, в Английский клуб принимали только мужчин. Во-вторых, имя нового члена оглашалось заранее, и если за ним были известны неблаговидные поступки, вопрос об его избрании сразу же снимался. Если же кандидатуру не отклоняли, то члены клуба голосовали за его принятие – каждый по выбору клал белый или чёрный шар.

    Известность, которую Английский клуб приобрёл в обществе с начала XIX века, привела к тому, что он стал не только модным заведением, но и оказывал воздействие на общественное мнение столицы. Основными занятиями членов клуба были разговоры, игры и чтение газет. Впрочем, разговоры о политике – хотя и велись в клубе – были запрещены уставом.

    Газетная комната, куда поступали русские и иностранные периодические издания, была непременным атрибутом клуба. Свежие газеты
    и журналы раскладывались на специальном столе, их можно было свободно брать и читать. Издания прошлых лет отдавались на хранение в библиотеку, откуда их можно было взять на дом, расписавшись в особой книге. За соблюдением порядка в газетной комнате наблюдал особый служитель. Но, как правило, она не была многолюдной. По воспоминаниям современника, однажды П.А. Вяземский «объехал по обыкновению все балы и все вечерние собрания в Москве и завернул, наконец, в клуб читать газеты. <...> Официант начал около него похаживать и покашливать. Он сначала не обратил на это внимания, но наконец, как тот начал приметно выражать своё нетерпение, спросил: «Что с тобою?» – «Очень поздно, ваше сиятельство». – «Да ведь ты видишь, что я не один, и вон там играют ещё в карты». – «Да ведь те, ваше сиятельство, дело делают».

    Карты – «одна из непреложных и неизбежных стихий русской жизни» – завелись в Английском клубе сразу же после его учреждения. Долгое время в нём процветали и коммерческие, и азартные игры – несмотря на то, что последние в России конца XVIII – начала XIX века формально были запрещены. В отличие от коммерческих игр, свойственных солидным людям, азартные игры носили характер «всеобъемлющей моды». Кроме того, одно время даже существовала «мода проигрываться». Неоднократно предпринимались попытки искоренить азартные игры, способные разорить почтенных членов клуба, и, в конце концов, они увенчались успехом.

    По случаю знаменательных событий в клубе устраивались обеды. Один из таких обедов был описан Л.Н. Толстым в романе «Война и мир». Кроме того, существовали ежедневные клубные обеды и ужины. Они стоили дорого, но зато здесь всегда было избранное общество, а для людей неженатых клуб заменял домашний уют.

















    А всё Кузнецкий мост, и вечные французы,
    Оттуда моды к нам, и авторы, и музы:
    Губители карманов и сердец!
    Когда избавит нас творец
    От шляпок их! чепцов! и шпилек! и булавок!
    И книжных и бисквитных лавок!..
    А.С. Грибоедов

    В пушкинское время главной торговой улицей Москвы – святилищем роскоши и моды, был Кузнецкий мост. После указа Екатерины II о привилегиях иностранным торговцам в районе Кузнецкого моста французы начали открывать свои магазины модных и галантерейных товаров. В 1812 году именно это спасло улицу от пожара: наполеоновская гвардия охраняла своих соотечественников от огня и разорения. После изгнания захватчиков из Москвы французские надписи были запрещены, а к французским лавкам добавились английские, итальянские и немецкие. Магазины на Кузнецком мосту были модными и дорогими. Один из путеводителей того времени сообщал: «С раннего утра до позднего вечера видите вы здесь множество экипажей, и редкий <.> из них поедет, не обоклав себя покупками. И за какую цену? Всё втридорога; но для наших модников это ничего: слово «куплено на Кузнецком Мосту» придаёт каждой вещи особенную прелесть». Со временем множество модных магазинов превратило улицу в место гуляний и встреч аристократов.

    В Петербурге модные магазины были сосредоточены на Невском проспекте. Обозреватель газеты «Северная пчела» отмечал сходство и различие двух столиц: «Кузнецкий мост в полном блеске: пропасть магазинов всякого рода, модных лавок; тут можно в один день истратить бездну денег. Великолепных магазинов, какие нередки у нас в Петербурге, там нет; помещение тесно, комнаты темны и низки, но товары группированы изящно и продаются так же дорого, как в Петербурге. В последнем Кузнецкий мост не отстаёт от Невского проспекта». Однако, по наблюдению иностранцев, петербургские магазины уступали европейским. Английскому путешественнику, посетившему Россию в 1829 году, они показались «не столь приметными, как лондонские», а выбор товаров в них – не столь богатым. Тем не менее, в Петербурге торговля предлагала богатейший выбор изделий, в том числе по качеству и по цене.

















    Во дни веселий и желаний
    Я был от балов без ума:
    Верней нет места для признаний
    И для вручения письма.
    <...>
    Люблю я бешеную младость,
    И тесноту, и блеск, и радость,
    И дам обдуманный наряд…
    А.С. Пушкин



    Ярким событием в жизни светского общества первой трети XIX века были балы. Открытие бального сезона ежегодно проходило в Зимнем дворце. Затем непрерывной чередой следовали балы в дворянских и офицерских клубах, великокняжеских и аристократических домах. Задолго до начала бала начиналась тщательная подготовка к нему: составлялись списки гостей, рассылались приглашения, продумывалось оформление парадных залов.

    Дом, где давался бал, был ярко освещён. Вверх по лестнице стояли ливрейные лакеи. У входа в парадные залы приезжающих встречали хозяин и хозяйка дома. Этикет требовал строгого соблюдения бального церемониала. О начале бала объявлялось после приезда самых знатных из приглашённых гостей. Бал открывался полонезом. Если присутствовал император, он шёл в первой паре с хозяйкой дома. Во второй – хозяин с самой почётной дамой. За полонезом следовал вальс, вошедший тогда в большую моду. Кульминацией бала считалась мазурка, которая нередко превращалась в целое действо, включающее элементы салонных игр. Заканчивался бал котильоном – танцем-игрой, особым видом кадрили с различными игровыми моментами. Естественно, в продолжение многочасового бала каждый танец мог исполняться несколько раз.

    Для представителей светского общества бал был одновременно и удовольствием, и общественной обязанностью. Для мужчин, желающих проявить себя на служебном поприще, он давал шанс существенно преуспеть в карьере. Ещё более важную роль бал занимал в жизни женщины, общественная жизнь которой не простиралась дальше гостиной и бальной залы.

    Не удивительно, что готовя свой бальный наряд, женщины вкладывали в него все свои идеи, вкус, фантазии, продумывали мельчайшие детали. Диктат моды распространялся не только на цвет и покрой платья, но и на все атрибуты элегантного туалета: украшения, бальные книжки, цветы, перчатки. При этом бальный наряд светской дамы существенно отличался от наряда молодой девушки, приехавшей на свой первый бал. Согласно строгим правилам, принятым в свете, молодые барышни были одеты в белые или нежно-розовые платья, украшенные гирляндами цветов, ветками зелени или плюща. Из драгоценностей допускалась лишь нитка жемчуга. Мужчины являлись на бал в парадных мундирах или во фраках. Под фрак надевали жилет и тонкую фрачную рубашку. Головным убором при фраке был цилиндр. Одной из наиболее выразительных деталей мужского бального костюма был галстук, цвет и форма банта которого менялись каждый сезон в зависимости от моды.

    Мода предъявляла свои требования не только к бальному туалету, но и к поведению человека на балу. В конце 1810-х — начале 1820-х годов, когда, по словам одного из пушкинских героев, «в моде» были «строгость правил и политическая экономия», декабристы отказывались от танцев, демонстрируя этим своё отношение к легкомысленным развлечениям. Среди петербургских «денди» признаком хорошего тона считалось «модное опоздание», поэтому они не появлялись в бальной зале раньше полуночи. Таким образом, пристрастия моды, связанные с социально-культурными и политическими особенностями времени, находили своё отражение во всей природе бала – от бальных туалетов до бытового поведения представителей светского общества.





































































    Покамест в утреннем уборе,
    Надев широкий боливар,
    Онегин едет на бульвар.
    И там гуляет на просторе,
    Пока не дремлющий брегет
    Не прозвонит ему обед.
    А.С. Пушкин

    После утреннего туалета, чашки кофе или чаю, к двум-трём часам дня можно было отправиться на прогулку – пешком, верхом или в коляске. Как и положено настоящему «dandy», Онегин прогуливается по Невскому проспекту, бывшему в то время средоточием модной жизни Петербурга. Одет он также по последней моде: в конце 1810-х-начале 1820-х годов необычайную популярность приобрели черные атласные шляпы-цилиндры с широкими полями a la Боливар, получившие свое название по имени популярного южно-американского политического деятеля.

    Для мужчин в первой половине дня приличными считались чёрный суконный сюртук или утренний фрак. Молодому человеку начала ХIХ века необходимо было иметь в своём гардеробе как минимум три фрака, каждый из которых предназначался для определенного времени и места. Отличались они цветом, тканью и, отчасти, фасоном. Так, для утреннего выхода по делам или на прогулку надевали фрак зелёного цвета (популярными были также синий и тёмно-лазурный). Воротник обычно обтягивали бархатом иного цвета, чем ткань фрака. Полы утреннего фрака в отличие от вечернего были несколько длиннее. Женщинам же во время прогулок этикетом позволялись цветные платья и шляпки разнообразных фасонов.

    Описывая своих современников, прогуливающихся по Невскому проспекту, Н. В. Гоголь обращал внимание на «длинные сюртуки мужчин» и «розовые, белые и бледно-голубые атласные рединготы и шляпки» женщин, на рукава их платьев, похожие на «воздухоплавательные шары»: «Тысячи сортов шляпок, платьев, платков – пёстрых, лёгких…Кажется, как будто целое море мотыльков поднялось вдруг со стеблей и волнуется блестящею тучею над чёрными жуками мужеского пола.»

    В Москве гулянья, как правило, были приурочены к церковным праздникам и строго соотнесены с местом: Лазарева суббота накануне Вербного воскресенья – на Красной площади, Духов день – в Лефортовом саду. Особенно славились гулянья первого мая в Сокольниках. По словам одного из пушкинских современников, «не побывать первого мая в Сокольниках <...> – это значило лишить себя одного из величайших наслаждений в жизни».




























































    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  4. Следующие пользователи говорят Спасибо Kuki Anna за это сообщение:

    Elena Nasarova (07.09.2015)

  5. #24
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Детский морской костюм для мальчиков и девочек



    Когда росли наши бабушки и дедушки, а то и прапрабабушки и прапрадедушки, они восхищались бесстрашными моряками, мечтали о путешествиях на далёкие острова, а потом их мечтой стало покорение космоса, но это потом…

    Мальчиков с юных лет приучали к серьёзным физическим нагрузкам, воспитывали силу и выносливость, независимость и благородство. Кадеты из морского корпуса бегали по реям мачт, как заправские матросы. Да и вообще, военный костюм играл большую роль в формировании облика не только у взрослого мужского населения, но и среди детей, как подростков, так и малышей.

    В конце XVIII – начале XIX века в детской одежде произошли большие изменения. А изменения эти отвечали необходимым требованиям, которые создавали условия для нормального развития детей. До семи лет мальчиков одевали почти также, как и девочек, причём во многих странах и в семьях различного статуса. В качестве одежды для малышей использовались платьица, под которые надевали штанишки.

    Когда мальчик отправлялся в путь – во взрослую жизнь, его костюм изменялся. Он становился уменьшенным подобием взрослого мужчины.

    Примерно в середине XIX века появился лёгкий, не стесняющий движения комплект, в который входили курточка с воротником апаш и укороченные брючки. Конечно, такой костюмчик понравился маленьким модникам, и в дальнейшем его постоянно изменяли, добавляя разнообразные детали и элементы. В конце концов, появился чудесный морской костюмчик, который понравился не только мальчикам, но и девочкам. Ему была уготована долгая жизнь.

    В середине XIX века эстетические идеалы Франции, в том числе и живопись, формировались, под влиянием императрицы Евгении. Среди многих художников она выделяла немецкого портретиста Франсуа Ксавье Винтерхальтера, который благодаря этому стал популярен в светском обществе. Винтерхальтер нарисовал множество прекрасных полотен с изображением светских красавиц, и не только красавиц.

    Художник нарисовал пятилетнего принца Альберта в морском костюмчике. И именно с этого момента началось модное увлечение морской тематикой. Принц Альберт был изображён в белом костюмчике, блуза которого имела синий воротник прямоугольной формы, по краю отделанный белой каймой, брюки были книзу расклешённые.


    Принц Альберт

    Дополнительными элементами к костюмчику был шейный платок, как и положено моряку, а также шляпа-канотье. Иногда головным убором к морскому костюмчику были шотландский или французский берет с помпончиком, на ленточке вокруг тульи красовалось название корабля.

    Морской костюм для девочек состоял из курточки с таким же воротником и юбки в складочку, и конечно тот же берет, украшавший детскую головку. Костюмы на морскую тематику стали популярны, а так как униформа моряков в каждой стране отличалась, то и костюмы детей соответствовали месту их проживания.



    В каждой семье, независимо от статуса, мальчики и девочки носили морской костюмчик. Он нравился всем и был уместен для любого случая – и для повседневного, и для торжественного. Морской костюмчик разрушил все социальные барьеры, создавая и мальчикам, и девочкам очарование и прелестную детскую непосредственность.



















    Современные морские костюмы для мальчиков и девочек


    Японские школьницы в форме с элементами морского костюма


    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  6. #25
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Кринолин – самая экстремальная мода викторианской эпохи


    Как женщину наряжали в кринолин.

    Этот странный объект стал главным модным элементом в середине 1800-х годов. А самое удивительное в том, что он сохранился до наших дней.


    «Надевая кринолин».

    «Никогда в моде не изобретали ничего более сексуального. Как здорово было появиться в комнате и занять 1.8 метра». Так сказала о кринолине модный дизайнер Вивьен Вествуд.



    Его название сложилось из комбинации двух слов: «crin» – жёсткий материал с использованием конского волоса и «linen» – бельё. Но необъятную куполообразную форму юбок поддерживала не жёсткая ткань, а каркас в виде клетки с костяными или стальными обручами. Патент на металлическую кринолиновую клетку выдали в 1856 году.


    «Новые предписания для омнибуса». Изображение женщины в кринолине, которая пытается сесть в омнибус (вид общественного транспорта), предположительно 1861 год.

    Его популярность была так высока, что некоторые заводы по обработке стали обслуживали исключительно рынок кринолина, штампуя каждый день около 3000 штук. Сатирический журнал «Punch» писал, что наступила «кринолиномания». Тем не менее, носить его было чрезвычайно сложно и неудобно.


    «Конкурент омнибуса».

    С конца 1850-х до конца 1860-х годов в Англии погибли около 3000 женщин из-за возгорания кринолина, так как его владелицы не всегда могли отследить края обширной юбки.



    Мода продолжилась до середины 1860-х годов, а затем стихла, но периодически возрождается, особенно после Второй мировой войны в рамках романтичного стиля New Look, который предложил Кристиан Диор. В наши дни наряды с кринолином используют для очень официальных мероприятий и, в частности, для свадебных платьев.


    Двое мужчин помогают леди войти в автобус.

    Предлагаем посмотреть на старинные фотографии времён 1857-1867 годов, многие из которых представлены на выставке в Национальном музее Шотландии в Эдинбурге. На них изображены дамы и самый модный элемент тогдашней моды – кринолин.


    «Надевание кринолина».

    «Идеальные волнообразные полосы позволяют леди подняться по крутой лестнице, прислониться к столу, плюхнуться в кресло, пройти к своему месту в опере и занять место в вагоне, не причиняя неудобств себе и другим людям», – написали в газете «The Lady’s» в 1863 году.


    Мужчина под дамским кринолином.
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  7. Следующие пользователи говорят Спасибо Kuki Anna за это сообщение:

    Elena Nasarova (07.09.2015)

  8. #26
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Бусы на Руси



    Слово «бусы» в современном значении начало употребляться в русском языке с ХVII века, до тех пор, по всей видимости, славяне называли эту разновидность украшения «ожерельем», то есть «тем, что носят вокруг горла».

    Археологи часто так и пишут в своих работах: «…найдено ожерелье из бус». В самом деле, нитка зачастую очень крупных (около 1,5 см в диаметре) бус, однотипных или разных, современному человеку напомнит скорее именно ожерелье, а не те бусы, что носят теперь.

    В древности бусы являлись любимым украшением женщин из северных славянских племён, у южных они были не так распространены. Были они в основном стеклянными и до IХ—Х веков большей частью привозными, так как собственное стеклоделие у славян только налаживалось и не могло удовлетворить массовый спрос. В древнем торговом городе Ладоге в слое VIII века найдены кусочки шлака, что образуется при варке стекла, а также недоделанные, бракованные бусины. Это обнадёжило исследователей, они начали искать остатки мастерской местного стеклодела – «стеклу кузнеца». Вскоре им попались маленькие огнеупорные тигли, но… на проверку они оказались предназначены для литья бронзовых украшений. Позже, однако, в том же слое были обнаружены «залежи» кварцевого песка, причём в таком месте, куда этот песок мог быть перенесён только руками человека: спрашивается, зачем, если не для варки стекла?.. Учёные спорят: одни требуют неопровержимых доказательств, другие говорят, что все необходимые доказательства уже найдены. Время появления собственного стеклоделия в Ладоге, таким образом, предстоит уточнить. Но вот то, что именно через эти места везли из-за Балтийского моря в Северную Русь импортные стеклянные бусы и продавали, быть может, даже на вес, – это факт установленный. Известно также, что ещё в пору написания первых летописей в Ладоге делались «археологические находки»: река, подмывая берег, во множестве выносила на свет «стеклянные глазки» неведомого происхождения…



    Одни бусины попали на волховские берега из Средней Азии, другие с Северного Кавказа, третьи – из Сирии, четвёртые – вовсе с Африканского континента, из египетских мастерских. Самое интересное, что везли их сюда не восточным путём, через Русь, а, наоборот, по водным магистралям Западной Европы – через земли западных (Словакия, Моравия, Чехия) и балтийских славян, владевших выходами в море. Образцы таких бус найдены и в Скандинавских странах, в торговых центрах, известных в те времена по всему балтийскому «средиземноморью»: в городах Хедебю и Бирке, на острове Готланд. Сюда везли бусы, продавали их друг другу и местному населению купцы – славянские, скандинавские и прочие. (Кстати, нельзя исключать, что бусы порой служили не только товаром, – но об этом чуть позже.) А начиная с IХ века в этих городах кроме привозных бус находят и явно сделанные на месте…
    Учёные делят древние бусы на такое количество видов, групп и подгрупп, что даже вкратце описать все их здесь невозможно. Приглядимся хотя бы к нескольким.



    Некоторые бусы мастера делали из отрезков стеклянных палочек, имевших несколько слоёв – всего чаще жёлтый, белый, красный. «Стеклу кузнец» раскалял палочку до мягкого состояния, отделял щипцами кусочек и прокалывал его острой иглой по слоям или поперёк. В других случаях основу крупной бусины приготавливали из стекла всевозможных смешанных оттенков (иногда таким образом в дело шли переплавленные остатки бракованных бус). Затем, если требовалось, на основу «наматывали» тонкий слой стекла чистого, красивого цвета: жёлтого, синего, красного, зелёного, фиолетового, белого, какого угодно (освоив приготовление стекла, славяне очень скоро выучились окрашивать его, используя минералы, залежи которых находились на их территории). А дальше в бока пышащей жаром бусины вплавляли всё новые кусочки многослойных прутков, но на сей раз таких, у которых цветные слои чередовались концентрическими кругами, наподобие древесных колец. Получавшиеся узоры археологи называют «глазками»: действительно, к примеру, красное пятнышко, окружённое белым, зелёным и жёлтым ободками, напоминает глазок.

    Есть предположение, что «глазки» отвечали не только эстетическим целям. Некоторые исследователи полагают, что подобные бусины (а они довольно строго одинаковы по массе) могли служить разновесами: часть их проколота не до конца, у некоторых отверстия вообще залиты свинцом. Такие бусины были найдены, между прочим, среди наборов гирек, рядом со складными весами. Выдвинута даже гипотеза: а не являлось ли количество «глазков» обозначением достоинства бусины-гирьки? А может быть, до распространения монет местной чеканки, их иногда использовали как деньги?..



    Другие бусы, о которых непременно хочется упомянуть, – это позолоченные и посеребрённые. Техника серебрения и золочения стеклянных изделий, в том числе бус, была освоена мастерами египетского города Александрии ещё до нашей эры. Спустя века ниточка традиции дотянулась и до Северной Европы. Вот как работали тамошние «стеклу кузнецы»: специальными приёмами на стеклянную основу бусины наносились тончайшие лепестки серебряной или золотой фольги, а чтобы покрытие не стиралось, сверху его защищали новым слоем стекла. После VI века нашей эры, когда производство бус стало массовым и носить их начала вся Европа, ремесленники быстро выучились «халтурить»: экономя драгоценное золото, покрывали все подряд бусины более дешёвым серебром, а чтобы придать им вид «золотых» (и продать по соответствующей цене) – обливали сверху прозрачным светло-коричневым стеклом.

    До конца IХ века среди ладожских находок встречаются настоящие позолоченные бусины, но очень скоро начинают в огромном количестве попадаться откровенные подделки: вместо фольги стали употреблять… стекло, окрашенное в «золотой» цвет солями серебра…

    А ещё славяне очень любили бисер. Изготавливали его самых разных цветов: жёлтый (ярко-жёлтый и лимонный), зелёный, бирюзовый, васильковый, серо-голубой, молочно-белый, розовый, красный. Арабские путешественники упоминают, что зелёные бусы (бисер) считались у славян весьма престижными и были признаком богатства.

    Попадается археологам и «позолоченный» бисер (в Рязано-Окском районе с начала нашей эры и по VIII век он был вообще основным видом бус). Учёные пишут, что делали бисер из стеклянных трубочек диаметром 5–7 мм: сперва намечали бисерины щипцами, потом отделяли острым лезвием. Затем помещали в горшок, перемешивали с золой или мелким песком и вновь нагревали. У части бисерин (у трёх-четырёх на каждую сотню) при этом заплывали отверстия, предназначенные для нити, но зато остальные делались гладкими и блестящими: хочешь – пришивай, хочешь – нанизывай на крепкую нитку и носи на здоровье!
    М. Семенова
    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  9. #27
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию Обувь, которая изменяла мир

    Возможно, слова «изменяла мир» не совсем соответствуют истине, однако общеизвестно, что обувь издавна служила символом статуса человека. Да и сейчас правильно подобранная обувь поможет блистать на светском мероприятии и преодолевать горные тропы, играть с ребёнком в салочки и чувствовать себя неотразимой на свидании.
    Давайте познакомимся с обувью, ставшей значимой в различных областях истории.

    Позолоченные сандалии (около 30 г. до н. э. — 300). Эти сандалии, несомненно, элегантны и изящны, однако мало соответствуют форме нормальной человеческой ноги. Возможно, именно с них начинается история неудобной, но красивой обуви.


    Victoria and Albert Museum

    Poulaine (1375 — 1400). Высокое средневековье отличалось любовью к длинным загнутым носам обуви.
    Длина носка зависела от знатности обладателя пуленов.
    При ходьбе длинные части туфель шатались из стороны в сторону, что было очень неудобно.


    Museum of London

    Gold Mojari (1790 — 1820). Сандалии из кожи с золотой вышивкой и драгоценными камнями были сделаны в Хайдарабаде (Индия).
    Судя по состоянию подошвы, владелец никогда не носил эту пару, возможно, она имела только статусное значение.


    Bata shoe Museum

    Bath Clogs (XIX век). С XVI века посетители хамамов в Османской империи носили специальные башмаки — «qabâqib».
    В обуви на высоких каблуках легче было передвигаться по грязному и мокрому полу.
    Эта пара неудобна для ходьбы, однако позволяет обладателю в прямом смысле слова «подняться над толпой».


    Victoria and Albert Museum

    Pair of Geta (1880 — 1900). Японские гейши высокого ранга носили традиционные гэта на каблуке более 20 сантиметров высотой.
    Двигаться в них можно было только медленно, плавно, что и требовалось от женщины.


    Victoria and Albert Museum

    Furry Ankle Boots (1943). Ботиночки, отороченные мехом, появились в разгар Второй мировой войны.
    Они были сделаны по заказу горожанки, принесшей в мастерскую норковое боа и два кожаных пальто (одно — из оцелота).
    В результате получилась пара обуви, приковывавшая взгляды и заставлявшая забыть о военных ограничениях.


    Victoria and Albert Museum

    Красные балетки (1948). Туфельки из кожи и шёлка были сшиты для Мойры Ширер, исполнительницы главной роли в фильме «Красные башмачки» по мотивам сказки Ганса Христиана Андерсена.
    Фильм считается вершиной творчества тандема Пауэлл-Пресбургер и одним из наиболее значительных свершений в истории британского кино.


    Victoria and Albert Museum

    Босоножки Beltrami из коллекции Имельды Маркос (1987 — 1992). Обувь вдовы бывшего президента Филиппин стала символом болезненной одержимости шоппингом.
    В коллекции Имельды было около 3000 пар.


    Victoria and Albert Museum

    Brogued Oxfords (1989). Эта пара обуви стоит более £3000. Её изготовили из телячьей кожи, найденной на поднятом со дна моря датском судне.
    Корабль затонул у берегов Корнуолла в 1786 году. Изготовление ботинок потребовало очень сложной работы.


    Victoria and Albert Museum

    Туфли на платформе от Вивьен Вествуд (1993). На показе Вествуд во время Недели моды в Париже Наоми Кэмпбелл, демонстрировавшая эту пару, упала.
    Момент считается знаковым в истории моды — напоминанием о том, что обувь не должна угрожать физическому состоянию женщины.


    Victoria and Albert Museum
    А на вашу жизнь оказывает влияние обувь?
    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  10. Следующие пользователи говорят Спасибо Kuki Anna за это сообщение:

    Elena Nasarova (09.09.2015)

  11. #28
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию

    Украшения для волос конца XIX века. Эгреты.



    «Эгрет» (или «эгретка», от фр. Aigrette – «цапля») – это торчащее вверх перо или какое либо другое украшение, прикрепляемое к женскому головному убору или причёске», – пишет нам Толковый словарь Ефремовой.

    И ещё одно пояснение: «Эгрет – драгоценное украшение для женского головного убора или причёски в виде шпильки с навершием в форме пера, пучка перьев или ветки, усыпанной камнями. Эгреты дополнялись перьями страуса или цапли».


    1880 Victorian England Aigrette with 72 diamonds and an unscrewable brooch fitting



    Время от времени такие украшения (с перьями или без) входили в женскую моду, но мне хочется поговорить об их популярности в 1880 – 1890 гг.



    В моде не происходит ничего случайного, все подчинено своим законам формирования силуэта. Из-за увеличенного объёма сзади, создаваемого турнюром, появилась необходимость зрительно вытянуть фигуру вверх, поэтому в моду вошли высокие конусообразные шляпки, обильно украшенные цветами, перьями, драпировками и чучелами птиц, и украшения – эгреты.

    Женщина, действительно, стала похожа на водоплавающую птицу.


    Карикатура из журнала «Ульк» (Ulk). Берлин, 1883 г.


    У барышни в голубом изогнутые линии силуэта, как у цапли.



    Эгреты с перьями

    Чаще всего, эгрет выглядел, как брошь, к которой крепился пучок перьев. Сама брошь прикреплялась к шпильке, гребню или даже тиаре.


    1890s pendant tassel transformation to large ornamental scrollwork accented with brilliant-cut diamonds (TA) and a cushion diamond (TA) in tassel pendant. Frame yellow gold and platinum. French work.


    FOUR STARS PEARL AND GOLD AIGRETTE. Four pearl set stars set on gold wires with lyrebird feathers behind, hinged on a tortoiseshell hair clip. Australian.


    ALICE Grossherogin von Hessen und bei Rhein, Prinzessin von Grossbritannien und Irland


    DIAMOND AIGRETTE / BROOCH, ca. 1880. Elegant, fan-shaped brooch ‘en tremblant’

    Очаровательны эгреты в виде птичек:


    Aigrette / brooch of humming bird, one of a pair produced Joseph Chaumet, circa 1895.


    BIRD OF PARADISE by Joseph Chaumet, circa 1880. Fabulous aigrette, transformable into a brooch, made of silver, diamonds and rubies.


    19th century diamond, ruby and pearl bird aigrette hair ornament with feathers

    Эгреты – букеты

    Эгрет мог быть и без перьев, в виде простой броши с элементами в стиле En Tremblant (ювелирный термин – от французского слова «дрожать», означающий, что некоторые фрагменты украшения делались подвижными, для особенно яркого отражения света свечей).


    Countess Evelyn Frances Warwick

    Ниже, для наглядности – брошь с эффектом En Tremblant. Пружину видите?




    Aigrette in the form of a ribbon-tied trembler spray of flowers and wheat-ears of fine workmanship. Silver and gold with an open-back and set with diamonds. (French?) 18-19 century


    AN ANTIQUE DIAMOND AIGRETTE Designed as a spray, set en tremblant, mounted with cushion-shaped diamonds to a similarly-set ribbon base, 19th Century



    В фильме Висконти подобные украшения смотрятся невероятно элегантно и очень стильно. Большая их часть была изготовлена в мастерских Нино Лембо, но были ещё украшения, предоставленные фирмами Bulgari, Carli, Petochi.


    Кадр из фильма «Невинный»

    Особенно красивы броши-эгреты в виде букетов с жемчужными капельками.




    Кадры из фильма «Невинный»


    Hair ornament. Gold wire hair ornament, stamped and pressed sheet of gold with collet set aquamarines forming a ribbon tied bouquet of flowers and wheat ears.


    Diamond and Natural Pearl Aigrette (hair ornament), c 1885

    Украшение для волос «Полумесяц»

    Меня долгое время интриговало: почему в конце XIX века, излюбленными мотивами украшений для волос были месяц и звёзды?


    A Late Victorian Aigrette.
    The egret feather supported by a comet tail set with seed pearls and a star set with old mine cut diamonds within a crescent of graduated half-pearls. Over gilded yellow gold, the folding hair slide of silver-gilt. With a fitted box from J. Snowden of London


    В викторианскую эпоху все были помешаны на символизме, поэтому, любой букетик, брошка, веер, что-нибудь, да означали.


    Portrait of Mrs Mahlon Day Sands, nee Mary Hartpeace by John Singer Sargent

    Честно скажу, не знаю, можно ли подобную брошь-полумесяц причислить к эгретам… Если с той точки зрения, что эгрет – это украшение, которое торчит из причёски, то да. В любом случае, он был очень моден в конце XIX века.






    Кадр из фильма «Невинный»




    Antique Cut Steel Crescent Moon Hair Ornament on Horn Comb



    Поэтому нет ничего удивительного в том, что наш режиссёр Рустам Хамдамов попросил художника по украшениям Бахтиера Балтабаева broshkinru сделать заколку для волос в виде месяца для съемок фильма «Яхонты. Убийство». На фото Р. Хамдамов на съёмочной площадке фильма «Яхонты. Убийство».


    Потом из броши был вырезан только серп луны, как хотел режиссёр

    Украшение в виде эгрета — полумесяца можно увидеть ещё на старинных женских портретах XVIII века, подразумевалось, что дама изображена на них в образе богини охоты Артемиды (она же, Диана).


    Portrait as a lady, dressed as Diana | Pompeo Batoni (1776)

    Википедия пишет, что Артемида — в древнегреческой мифологии девственная, всегда юная богиня охоты, богиня плодородия, богиня женского целомудрия, покровительница всего живого на Земле, дающая счастье в браке и помощь при родах, позднее богиня Луны (её брат Аполлон был олицетворением Солнца). У римлян отождествлялась с Дианой. Часто изображалась с полумесяцем на голове.



    Вот и барышни любили себя отождествлять с Дианой – Артемидой. В конце 1880-х гг редкая аристократка не носила эгрет-месяц.


    Юная Alix, наша будущая императрица, тоже носила такие украшения. 1889 г


    Hinged comb with turquoise gemstones


    Princesse Hélène d’Orléans (1871-1951), duchesse d’Aoste


    ANTIQUE EDWARDIAN HAIR COMB DIMAOND PASTE CRESCENT MOON HAIR DECORATION


    Matilde de Aguilera y Gamboa, Lady of Fontagud – Federico de Madrazo 1875



    А на одном известном ювелирном сайте написано, что «Луна — покровительница женщин, Солнце — мужчин. Она – хранительница циклов и ритмов времени, с нею связаны ночные животные. Полумесяц, к тому же, символ богини Исиды, символирует смерть и возрождение».


    Модницей была и печально известная баронесса Мария Александрина фон Вечера, любовница австрийского кронпринца Рудольфа, по одной из версий историков совершившая вместе с ним самоубийство в Майерлинге. По этой истории было снято несколько фильмов, её играли Катрин Денёв и Одри Хепбёрн, был поставлен балет «Майерлинг».


    Shooting Stars – Victorian Paste Hair Comb


    John Singer Sargent (American 1856-1925). Madame X (Madame Pierre Gautreau), 1883-84

    Украшения для волос «Звезда»


    Кадр из фильма «Невинный»


    Princess Helene, Duchess of Albany, nee Waldeck-Pyrmont, in 1882, wearing a circular diamond head jewel


    hairpins


    Grand Duchess Alexandra Georgievna of Russia

    Этот мотив был популярен ещё с середины XIX века. Всем вам наверняка известен портрет австрийской императрицы Сисси с бриллиантовыми звёздами в волосах. Тут все проще, звезда — это вполне романтичный символ. Помните, Шекспир писал в 116 сонете:
    «Любовь – звезда, которою моряк
    Определяет место в океане.
    Любовь – не кукла жалкая в руках
    У времени, стирающего розы
    На пламенных устах и на щеках,
    И не страшны ей времени угрозы».





    Ещё изображение звезды означало путь, духовное наставничество. Это – символ света в темноте, надежды, вершины, которую может достичь человек, ну и так далее.



    Не последнюю роль в популярности таких украшений играла любовь к маскарадам и любительским спектаклям.







    Ну, а сегодня… Карл Лагерфельд вспомнил об украшениях в виде полумесяца в своей коллекции «Chanel, весна – лето 2015″. Ох…










    Украшения «Шанель»
    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  12. #29
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию

    На лабутенах: как появилась легендарная красная подошва

    После скандальной песни группы «Ленинград» мечтать о туфлях от Кристиана Лубутена стали даже те девушки, которые далеки от выставок Ван Гога и прочих культурных мероприятий. Забавный мотив крутился на языке у каждого, а жизненное видео пересмотрели миллионы пользователей сети. Но знаете ли вы, как появилась красная подошва на тех самых «лабутенов»?


    Туфли от Кристиана Лубутена.

    Каблуки придумали не для того, чтобы их носили женщины. Это утверждение беспощадно рушит устоявшиеся стереотипы, ведь какой ещё элемент женского гардероба сравнится с туфельками в красоте и сексуальности? Однако стоит полистать книги об истории европейской моды, чтобы убедиться в обратном: законодателем тренда стал Людовик XIV, известный как «король-солнце». Именно он в 17 веке издал указ, согласно которому обувь на красной подошве могли носить исключительно придворные короля. Таким образом, туфли стали особой привилегией, маркером, отличавшим людей благородного происхождения.

    Аристократы 17 века массово переобулись в туфли на каблуках, но столкнулись с проблемой: эта обувь совершенно не подходила для ежедневной носки.


    Обувь кавалерии в Персии, 17 век.

    Оказывается, Людовик позаимствовал дизайн у… армии персов. Удивлены? Такая обувь действительно использовалась на Ближнем Востоке для обмундирования кавалерии. Стоя в стремени на каблуке, было легче удерживать равновесие, доставать лук и стрелы во время боя. Шах Аббас I старался всеми силами укрепить отношения с Западной Европой в конце 16 века, именно он собрал крупнейший полк кавалерии в мире, и он же в 1599 году отправил в Европу первую дипломатическую миссию из Персии.


    Портрет Людовика XIV, 1701, Гициант Риго

    Персидская «новинка» пришлась по вкусу европейской аристократии, и, чтобы ещё сильнее подчеркнуть свою значимость, каблуки стали делать чуть выше. Ходить по улице в такой обуви было практически невозможно, туфли не были предназначены для носки по разбитым дорогам. Однако это мало кого волновало: аристократические наряды всегда славились вычурностью и помпезностью при минимальной функциональности. Да и не ходили важные особы пешком по улицам, так что могли себе позволить щеголять в туфлях по дворцовому паркету.


    Мужские туфли при дворе Людовика XIV.


    Бал при дворе Людовика XIV.

    Сам Людовик полюбил каблуки за то, что они делали его визуально выше. С ростом всего 1, 63 м он носил 10-сантиметровые каблуки, котором бы позавидовали современные модницы. Так он выглядел более убедительно, позируя для картин с батальными сценами. Подошва всегда была исключительно красной, ведь туфли воспринимались как часть воинского обмундирования. Вскоре такие туфли стали знамениты по всей Европе, например, в 1661 году в такой обуви щеголял Карл II во время коронации в Англии.


    Мужские туфли.

    Интересно, что женщины переняли каблуки именно как часть мужского наряда. Первые попытки ходить в такой обуви возникли одновременно с экспериментами по ношению короткой мужской стрижки и мужских головных уборов. Приоритеты поменялись лишь в конце 17 века, тогда на женской обуви каблук становится тоньше, а мужчины постепенно отказываются от него вовсе. По мнению историков моды, мужчины выбрали функциональность, тогда как женщины остались верны «отвоёванным» каблукам.


    Туфли с красной подошвой, коллаж.


    Красная подошва заимствована из армейской среды.Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

  13. #30
    Добро Пожаловать Новичок! Нобелевский Лауреат Аватар для Kuki Anna
    Регистрация
    01.11.2006
    Адрес
    Дармштадт, Германия,
    Сообщений
    55,930
    Записей в дневнике
    9
    Спасибо
    4,289
    Был поблагодарен 28,401 раз
    за 19,359 сообщений

    По умолчанию

    Мода и стиль после Первой мировой войны

    В период с 1919 по 1923 год продолжается поиск и формирование костюма. Хотя в это время и не было чётко выраженного стиля, всё же, данный период представляет интерес своей конструкцией кроя и формой моделей. В конце периода начинает формироваться стиль А-ля-гарсон (La Garçonne).

    Война закончилась, люди постепенно начинали понимать, что они остались живы, и жизнь продолжается, а о трагедии, принесённой войной, лишь напоминали те, кто остался искалеченным душой или телом. Оставшиеся в живых уже не хотели замечать вокруг себя ничего того, что заставляет думать, разве кроме тех поэтов, которые всегда замечают вокруг себя всё и вся…



    «Я думаю:
    Как прекрасна Земля,
    И на ней человек,
    И сколько с войной несчастных
    Уродов теперь и калек!
    И сколько зарытых в ямах!
    И сколько зароют ещё!…»

    (С. Есенин)

    Но в большинстве своём люди хотели просто наслаждаться жизнью во всех её проявлениях, появилась неудержимая жажда веселиться, танцевать до утра, пить, есть, тратить деньги, и наконец, просто орать и вопить, что ты жив …

    А мода? Мода, как время, идёт своим чередом, замечая вокруг все дела человеческие, все детали, ошибки и недоразумения…





    Первая мировая война закончилась. В костюмах, которые носили во время войны, было видно влияние мундира. Изменения в моде происходили постепенно. В начале этого периода женщины решили достать свои довоенные платья, и мода попыталась вернуться: обозначилось удлинение платьев, пояс, который был обязательным на военных мундирах, приподнял линию талии чуть выше естественной, объём вокруг бёдер увеличился, силуэт был подобием «веретена».

    На страницах журналов мод даже мелькают те же модели, которые были в довоенном стиле. Но это продержалось короткое время. Длина платьев становилась всё короче, объём расширялся посредством применения поперечных оборок, мягких свободных поясов, сборчатых басок, туник. Популярны были драпировки, мягкие складчатые кушаки, пелерины, жакеты с многоярусными басками.

    Вместе с тем Париж в 1919 – 1923 гг. представлял собой огромную толпу людей разного цвета кожи, национальностей и одежды. И толпа, как наводнение, всё прибывала и прибывала. Много было выходцев из Польши, Литвы, Украины, России, которые перемешивались с толпой японцев, китайцев, аргентинцев, испанцев. Париж выглядел театральной сценой, на которой происходит маскарад.

    Французский живописец и скульптор Фернан Леже, который в это время примыкает к новому направлению, кубизму, писал об этом маскараде: «Странное зрелище представляло собой собрание человеческих особей, включавшее в себя представителей практически всех стран земного шара. Покрой, цвет, форма одежды дополняли необычность сей картины, немного напоминавшей спектакль мюзик-холла…».







    Мода начинает увлекаться экзотикой, и тому способствовало не только появление японцев и китайцев, но и Русский балет, принёсший с собой фантастический ориентализм, национальные традиции Востока, культуру Древнего Египта и Африки, русские национальные мотивы. Кимоно, восточные вышивки можно было увидеть не только в вечерних туалетах, но и в ночных пижамах, халатах, предназначенных для чаепития.

    Значительное влияние оказала на моду русская иммиграция, оказавшаяся волею судьбы за пределами своей Родины. Ожесточённая война в масштабах всей огромной России явилась итогом раскола российского общества, приведшего к революциям и падению монархии. Многие думали, что уезжают на короткое время, а оказалось – навсегда.

    Крупнейшие парижские дома моды считали за честь принять на работу русских манекенщиц, которые имели высокое происхождение, обладали великолепными манерами, элегантностью и вкусом, и кроме этого, исключительной внешностью. Некоторые из русских эмигрантов открывали свои дома моды. Париж увидел русские вышивки, аппликации, мережки, шитьё бисером, красоту русского меха, как носить который, могли показать только русские красавицы.

    В парижских журналах появляются модели с элементами русской национальной одежды. В специальных изданиях для портных помещают конструкции кроя русских костюмов. Например, костюм с длинным, чуть ниже колен полуприлегающим жакетом с асимметричной застёжкой, воротником-стойкой и юбкой, чуть расширенной книзу.

    Кроме русского стиля, в это время распространённым был и венгерский стиль, особенно верхняя одежда. Строгий прямой крой пальто с боковыми разрезами и втачными рукавами, оканчивающимися фигурными манжетами. Особенностью является длинная и глубокая пройма, доходящая почти до линии бёдер и напоминающая кимоно.

    Разворачивает свою деятельность Шанель, создаёт яркие модели Мадлен Вионне, пытается вернуться Поль Пуаре.



    Мода 1919 – 1923гг. была поиском новых средств выражения и нового образа. В этот период больше проявляется крой с «обвислым» силуэтом – блузки на плечах висели свободно, часто они были навыпуск, свисали с множеством оборок юбки, висели короткие и широкие рукава, шлейфы, шали и платки. Одежда была просторной настолько, что полностью маскировала очертания фигуры и создавала эффект «вешалки». Этот эффект ещё более усиливался применением мягких тканей.

    Мода развивалась неспешно, постепенно округлые и объёмные формы уходят, исчезают баски и туники, двойные юбки и сборки, силуэт сужается книзу или становится более прямым, талия опускается на линию бёдер. Многие творения были тогда провозвестниками нового рубашечного стиля (robe de chemise).



    Мода начинает упрощаться. Среди модельеров были попытки остановить процесс упрощения моды, но он оказался необратим. Начинает закладываться новый стиль А-ля-гарсон. В 1922 году Жан Пату создаёт платья, форма которых является завтрашним днём моды. Мода готовилась к следующему периоду – А la garçonne.












    Конкурс красоты в США 1921 год
    Источник
    Мой стакан не велик, но я пью из своего стакана.

Страница 3 из 3 ПерваяПервая 123

Информация о теме

Пользователи, просматривающие эту тему

Эту тему просматривают: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)

Похожие темы

  1. Как правильно подобрать свой стиль, соответствуя моде
    от Лариса Модельер в разделе Модные тенденции
    Ответов: 48
    Последнее сообщение: 08.09.2015, 14:03
  2. Книги о красоте и моде.
    от Natalia Mountian в разделе Beauty Trend - всё о косметике
    Ответов: 8
    Последнее сообщение: 06.02.2015, 20:16
  3. Самыe популярные журналы о моде и стиле.Ретроспектива .
    от Yasmin Hasmik в разделе Celebritу новости о богатых и знаменитых
    Ответов: 5
    Последнее сообщение: 13.05.2010, 08:31
  4. Туфли на танкетке - в моде снова удобная обувь
    от Главный Редактор в разделе Ювелирные украшения, аксессуары, сумки и стильная обувь
    Ответов: 15
    Последнее сообщение: 27.04.2009, 07:03
  5. Пышные фигуры снова в моде
    от Главный Редактор в разделе Стиль жизни
    Ответов: 17
    Последнее сообщение: 15.12.2006, 13:06

Ваши права

  • Вы не можете создавать новые темы
  • Вы не можете отвечать в темах
  • Вы не можете прикреплять вложения
  • Вы не можете редактировать свои сообщения
  •